BIBLIOGRAFIA ( R .. S )
LOS HILOS DE DIOS
EL OJO DEL SENTIMIENTO.. DESPIERTA ANTES DEL VIVIR
LA PRIMERA LETRA DEL AMOR ..NO ES LA ... A
SIEMPRE SERA LA E.. DE ETERNAMENTE..
Y LA PRIMERA LUZ QUE VI ..FUERON TUS OJOS..
QUE ME GUIABAN A TI.. MADRE MIA.
SI EL SOL..FUESE LA UNICA ENERGIA...
DONDE QUEDAN TUS FUERZAS MADRE MIA ?
DONDE QUEDAN MIS FUERZAS QUE TOMABA DE TUS PECHOS.
Y QUE NO ME HACEN TEMER A LOS MIL ACECHOS.
.. POR ESO,SERAS EL OJO DE MIS SENTIMIENTOS.
FUISTES LA MAYOR FUERZA DERROCADA,DE ESTE MILENIO.
CUANDO VISTES .....EL LLANTO DE ESTE PEQUEÑO.
LAS ESPADAS DE TUS ESPERANZAS.. ME PERTENECEN.
Y EL VITOR DEL PARA SIEMPRE ..ME LO PUSISTES COMO MI NOMBRE.
POR ESO ..SIEMPRE SERAS .......... MI PADRE...
LAS FUERZAS DEL ULTIMO SIGLO ..QUEMAN MI SANGRE..
Y NO IMPORTA ... CUANTO SEA MI PESAMBRE..
EL DOLOR NOS AYUDA A NACER.. COMO DIJO MI MADRE.
Y LAS DERROTAS ME RENACEN..COMO DIJO MI PADRE.
ES POR ESO QUE NUNCA ME VERAS LLORAR..
EL MAÑANA HUELE A ABRAZOS..QUE RECUERDO..
A LAS RISAS QUE ENJUABAN SUS RESTOS FRENTE AL ESPEJO.
LAS SABANAS GUARDAN LAS HUELLAS DE SENTIMIENTOS.
Y LAS CORTINAS NO DEJAN PASAR LA REALIDAD DE ESTE MOMENTO.
HOY DESPIERTO… EN ESTE PRINCIPIO SIN ARGUMENTO.
TU GUIA ABRIO MIS OJOS A LOS 16 AÑOS.. TODO BUSQUE ESE TURNO.
ACABABA LA SECUNDARIA..PERO TERMINABA MI PUBERTAD..
LAS EMOCIONES DERRIBABAN REJAS DE CONJUROS ..
LAS LAGRIMAS ERAN EL ACEITE DEL PROXIMO FUTURO..
Y LOS BESOS INCAUTADOS.. ERAN MI LIBERTAD.
LA MADUREZ NUNCA FERTILIZO SUS FRUTOS DE ERRORES…
MIS 17 ..REZARON TUS MIRADAS..Y ME DESPERTARON..
QUE TODO ..LA FELICIDAD DEL NUEVO MILENIO..2000….!!YO NACI JUSTITO ESE AÑO
ERA UNA GRAVEDAD..DE EMOCIONES ..GRAVEDAD DE CULTURAS..
MIS SENTIMIENTOS BROTARON..CUANDO TUS TEMORES MORIAN.
YACIAN LOS 2003 .. Y MIS EMOCIONES EXPLOTARON COMO HIROSHYMA..
AME ..HASTA EL INFINITO( BIG BANG ) SOLO POR ESA MUJER..
SUS FRAGMENTOS DE EXPENDIENTES SON V.V G.N.. ES PRIMER AMOR QUE DESPERTE.
LAS FORTALEZAS DE MI CORAZON RENACEN ESTE AÑO… CUANDO TE CONOCI..
EL QUERERTE..ES LA CHISPA ADECUADA…
TE AMO…….
viernes, 18 de febrero de 2011
IM...PULSO ( 18-02-11)
IM..PULSO
SON NUESTROS PULSOS , EL RELOJ DEL VIVIR.
ES NUESTRO CORAZON EL TALLER , AL SUFRIR.
LA FUERZA NO TERMINA EN EL GOLPE,..ENTONCES ?
ES LA SUAVE PLUMA DE TU SONRISA ,QUE ME HIZO HOMBRE.
ERES LA MARIPOSA EN EXTINCION, QUE VUELA EN MIS SUEÑOS.
QUE ALMIDONA SUS SEDAS EN MIS RECUERDOS..
EL ESPEJO.. DE LAS ILUSIONES ..ME REFLEJA TU AMOR..
Y EL PULSO DEL SOL QUE VA LLEGANDO..ES MI TEMOR.
PERMITEME TOCARTE..PERMITEME AMARTE.
Y EL RESTO DE NUESTRAS VIDAS ..SERAN SUEÑOS.
PERMITEME DECIRTE..HOY .QUE TE AMO !!!!!!
QUE ERES EL PULSO DE MI CORAZON .......
MIX SENTIRES
TUS MEMORIAS ..SON MIS SENTIMIENTOS
MIS AÑOS CAMINAN DELANTE DE MIS SENTIMIENTOS
Y CADA PASO ES UN RECUERDO EN MIS CIMIENTOS
LLEGANDO A LA ESQUINA DEL REPOSO,ES CUANDO
CUENTA ME DOY , QUE SIEMPRE ESTARE AGUARDANDO
TU MANO , QUE ME AYUDE A CAMINAR UNA VEZ MAS.
ES TU VOZ ,QUE SE PIERDE ENTRE LOS VIENTOS
DE ESTA TARDE ,QUE REFRESCAN MIS RECUERDOS.
COMO CUANDO COMIAMOS DEBAJO DEL SOL,NUESTROS HELADOS.
FUERON TUS OJOS , LA CRUZ QUE ME PROTEGIA EN PELIGROS
Y AUNQUE NUNCA LO QUISE ... SIEMPRE SEREMOS AMIGOS.
LOS SOLES CONTADOS , ME SUMAN MEDIO SIGLO
Y EL ARCOIRIS DE ESTA TARDE, ES EL QUE VIGILO
PORQUE HOY MIS RECUERDOS VAN DELANTE QUE MIS AÑOS
Y MI REALIDAD SE VUELVE AMOR... QUE SOLO POR TI A ESPERADO
TOMA MI MANO .. Y RESPIRA DE MI CUERPO...Y SOÑEMOS UNA VEZ MAS..
........ PARA DESPERTAR EN LA ETERNIDAD.... DESPERTAR EN EL EDEN..
R . S
R . S
viernes, 14 de enero de 2011
JAMES
JAMES
Con una trayectoria que data desde principios de los ’80 y objeto de múltiples e inevitables comparaciones con otras bandas como The Smiths, Simple Minds, Deacon Blue, U2, etc. la verdad es que esta agrupación supo ganarse un merecido lugar entre la difícil y competitiva escena musical de aquellas épocas, aunque rara vez sean tomados como referencia o considerados una banda de primer nivel.
Si tuviera que definir en una palabra la esencia de la gran mayoría de los temas de James, seguramente esta sería ‘melancolía‘.
Podría citar, para ilustrar esta definición, temas como “don’t wait that long”, “everybody knows”, “walking the ghost” o “(don’t let go on) top of the world”, melodías que sin llegar a ser depresivas poseen un gran contenido dramático, el mismo que se ve acrecentado por la profunda y casi siempre desconsolada voz de su líder.
Si bien el éxito y la popularidad nunca les llegó a sonreír del todo, muchas bandas que en su momento los ‘telonearon’ lograron consolidarse definitivamente después de salir de gira con ellos: En 1988 los escogidos fueron los Stone Roses y un poco después los Happy Mondays (irónicamente, James los ‘telonearía’ dos años después); en 1991, Nirvana (un mes después su álbum Nevermind alcanzaría el primer lugar en las listas); en 1993, Radiohead; en 1997 le tocó el turno a Third Eye Blind; en 1988, The Corrs y luego Stereophonics; en 1999, Supergrass y más tarde Doves; para el 2000 el grupo telonero fue Coldplay (cuyo single “yellow” saldría solo un mes después, siendo todo un suceso).
En cuestiones de popularidad y reconocimiento las bandas que abrían sus conciertos parecían llevarse la mayor parte del crédito, dejando a James inmerso en un irremediable y constante segundo plano.
Aunque se dice que fue en el año 1980 cuando empezaron las correrías de la banda, la mayor parte de crónicas de revistas y artículos escritos le dan el inicio ‘oficial’ en el año 1981 cuando un joven entusiasta de nombre Paul Gilbertson, inmensamente influenciado por los grupos post-punk de la época y el consumo de drogas, termina por convencer a uno de sus mejores amigos, Jim Glennie, de que se compre un bajo y forme una banda con él.
Sin importar los músicos que les acompañaban, ambos empezaron a ensayar en el dormitorio de Glennie de manera continua hasta que dieron con el baterista Gavan Whelan, cuya peculiar, extraña y tribal manera de tocar, le dio a la agrupación un corte musical diferente, que llamaba la atención al contrastar con el estilo algo desordenado y sin supervisión -muy propio de las primeras experiencias musicales- de las guitarras de sus dos compañeros.
El hacer numerosas actuaciones aquí y allá les hizo ganar bastante experiencia. En el camino probaron con muchos otros músicos y vocalistas para definir el estilo y la conformación definitiva de la banda: Eran tiempos de inseguridad, confusión y gran agitación musical, y las ganas de hacerlo bien y poder sobresalir en el escenario los lleva a un constante cambio de integrantes y de nombre: Veneral and The Diseases, Volume Distortion, Model Team International, para luego quedarse momentáneamente simplemente como Model Team.
Una de sus primeras apariciones significativas fue como ‘teloneros’ de la banda The Fall, bajo el primario nombre de Volume Distortion a principios de los ochentas.
Esto haría que una muy reducida parte de público y de la siempre importante crítica, les empezara a tomar atención.
Para principios de 1982, ya conocidos como Model Team International, graban su primer demo real con una vocalista de nombre Jenny Ingram.
En marzo de ese mismo año Jim, Gavan y Paul van a una discoteca de la universidad de Manchester y quedan más que sorprendidos por la ‘indescriptible’ forma de bailar de cierto estudiante, del que luego se supo que se había ‘colado’ en el recinto.
Sin perder tiempo, lo invitan a la banda como bailarín.
Lejos estaban en ese momento de saber que este chico de abultado cabello, ropa extraña e ‘indescriptible’ forma de moverse en el escenario, sería el que finalmente le daría a la banda la fuerza y personalidad que tanto habían estado buscando: Así se une a Model Team International el señor Tim Booth, que sería rápidamente propuesto y aceptado como el nuevo vocalista.
Tim hace su debut con el grupo en abril de 1982, cuando ‘telonean’ a Orange Juice.
Meses después graban un demo de cuatro canciones, lo que significaría su primer trabajo con la banda. En agosto del mismo año el grupo cambiaría por última vez su nombre, autodenominándose James: Esto fue debido a la idea que propuso Gilbertson de ponerse el nombre de uno de sus integrantes, y el escogido fue el sugerido por Glennie.
Así, el nombre James fue considerado ‘suficientemente amorfo’ para ser usado por el grupo. Debutan entonces como James (Not a poet) y Tim empieza las presentaciones leyendo un poema.
Antes de terminar el año, abrirían uno de los conciertos de New Order.
Bajo la premisa propuesta por Gilbertson de que cada uno se concentre en su propio sonido, rechazando cualquier cosa que suene parecido a otras bandas y que perdieran el miedo a probar cosas y experimentar, James empieza a sonar mucho mejor.
En otra de sus presentaciones en el mítico ‘nightclub’ de Manchester -que se había convertido en su segunda casa- The Hacienda, llamaron la atención de Tony Wilson, fundador de Factory Records, quien les ofrece realizar su primer álbum larga duración en estudio (pues hasta entonces James tocaba sólo en vivo).
Este ofrecimiento sería rechazado, básicamente por el miedo que tenía la agrupación de disminuir la pegada que habían causado tocando en directo, además de la inseguridad de poder canalizar sus respectivos talentos individuales y ser capaces de juntarlos en un estudio para realizar una producción completa.
En vez de esto, la banda hace un single de tres temas, Jimone, que significaría su debut con esta compañía en noviembre de 1983.
Muchos diarios musicales locales lo nombrarían el single de la semana y dada la acogida, ‘telonearían’ a The Smiths el mismo mes en The Hacienda y nuevamente a los New Order en el mes de diciembre.
Parecía que el ascenso tanto en popularidad como en producciones de la banda iba a ser notable a partir de ese momento.
Sin embargo, empiezan a surgir algunos inconvenientes que retrasan su evolución y carrera hacia el descomunal éxito que todos predecían: Los problemas de drogas de Gilbertson comenzaban a causar estragos al interior, haciendo insoportablemente lenta la realización de temas originales y propios del grupo, razón por la cual no les queda otra opción que decirle que abandone James.
También está el hecho de que en su profunda búsqueda espiritual, Booth y Glennie se terminan uniendo a una secta llamada ‘Lifewave‘ que no hace otra cosa que ponerles numerosas restricciones en sus vidas, amenazando con ello la estabilidad de la banda.
Así, después de un año de la realización del primer single, sale el segundo de nombre James II (marzo – 1985), ahora con Larry Gott a cargo de la guitarra.
Las críticas vuelven a ser buenas y Factory Records se mostraba ansiosa porque James sacara su primer LP con ellos, pero inexplicablemente, el grupo abandona la compañía llegando a un acuerdo con los directivos de otra discográfica: Sire Records…
Para finales de 1984 James volvería a salir de gira con The Smiths, agrupación con la que ya desde antes se les asociaba debido a la sobreprotección que su líder demostraba hacia ellos en diversas entrevistas y artículos.
Es más, en ese mismo año, Morrissey los describiría como ‘la mejor banda del mundo’, situación que los haría ver como ‘hijos’ de los Smiths, y contra la que durante todos los años ochenta tendrían que luchar.
A mi entender, James siempre hizo en sus discos todo lo posible por diferenciarse al máximo de ellos, razón que terminó por anular parcialmente la creatividad musical del grupo y retrasar bastante su consolidación, que finalmente se daría a principios de los noventas.
Es un secreto a voces que el hit de Morrissey del año 1992, “we hate it when our friends become succesful”, fue escrito y dedicado al éxito que James por fin obtenía en esas fechas.
A principios de 1985, James empieza ya a salir en portadas de revistas (en particular en una muy importante de nombre NME: New Musical Express) y en junio de ese mismo año, sale su tercer trabajo, Village Fire (Five Offerings from James), que no es más que la agrupación de los dos singles anteriores en un solo álbum.
También en el transcurso de ese año, la banda dejaría de acompañar a The Smiths en un voceado tour por los US, se presentaría en el Festival de Glastonbury y haría numerosas apariciones en vivo dentro y fuera de Manchester.
En marzo de 1986 llegaría su tercer single: Sit Down (que nada tenía que ver con el hit que posteriormente conseguirían con la canción del mismo nombre), seguido por otro single, So Many Ways, y su -finalmente- primer trabajo de nombre Stutter, que llegaría en junio del mismo año.
No obstante el gran debut, las críticas de la prensa especializada fueron en general desfavorables debido al muy lento progreso de la banda, críticas que hicieron que la compañía disquera que los representaba perdiera casi todo el interés en ellos.
Así, este trabajo recibió una más que modesta promoción: Sólo llegó al puesto #68 en UK.
Corrían los inicios de 1987 y casi sin dinero, cobertura ni promoción, James graba su segundo álbum en febrero, Strip-mine, álbum de sonido diferente tirando a lo más convencional, que responde a un desesperado intento de ‘agradar’ a su todavía disquera Sire Records.
Pero la compañía no ve nada especial en él y en un principio se niega a sacarla. Después de unos cuantos ‘forcejeos’ con la banda y una especie de ‘re-producción’ del trabajo con modificaciones en el sonido principalmente para poder comercializarse en las radios, Sire acepta producirlo recién para Septiembre de 1988 negándole eso sí, cualquier tipo de promoción alguna, cosa que lo hundió en un pobre #90 de popularidad en UK.
Afortunadamente, en el contrato del grupo con la mencionada disquera había una cláusula que decía que en el transcurso de los seis meses siguientes a la entrega del segundo álbum, la banda podía decidir si quedarse para cinco trabajos más o terminar el contrato.
Obviamente James optaría por salirse y poco después se vieron obligados a hacer una gira por UK, como único y necesario medio de promoción del Strip-Mine.
En este punto de sus carreras, deben haberse arrepentido enormemente de haber rechazado a Factory Records…
Ahora, sin pertenecer a disquera alguna y con el abandono del interés de la prensa por ellos, es cuando los problemas de la continuidad de la banda se hacen cada vez más grandes.
Desesperados por dinero para seguir financiando su carrera, pues estaban convencidos de que podían dar mucho más, los miembros de la banda se ven llevados al increíble extremo de participar como conejillos de indias para algunos experimentos médicos realizados por la Manchester Royal Infirmary (un conocido hospital), ganando así el derecho de aparecer como invitados en un programa de televisión local que hablaba de la ‘desesperación de las agonizantes estrellas de rock‘.
Pero James estaba todavía muy lejos de entrar en agonía.
Si bien comercialmente sus discos no eran un suceso, sus conciertos seguían siendo de lo mejor: Presentaban a menudo un lleno total y dejaban satisfechos a los miles de seguidores que por entonces ya tenían.
Lo más importante que tuvieron en esos momentos y una de las principales razones que mantuvo unida a la banda, fue su sólido club de fanáticos.
Este se encargaba de expandir la fama del grupo y siempre hablaba de él como ‘el secreto mejor guardado de Manchester‘.
Otro gran apoyo fue la -inauditamente masiva- venta de camisetas con el logotipo del grupo: Hoy los James bromean diciendo que en esos días vendían más camisetas que discos pero, en esa época no era ninguna broma.
Para noviembre de 1988 tocan dos noches en el Bath Moles Club, tocatas que son grabadas y que luego serían editadas para la posterior entrega del álbum en vivo, One Man Clapping (que saldría para marzo de 1990), gracias a la ayuda económica de un fanático (que resultó ser gerente de un banco) y de la disquera Rough Trade Records.
One Man Clapping llegó al primer lugar en las listas indies consiguiendo atrapar la atención de la prensa especializada nuevamente.
Por estas mismas fechas, Tim se ve envuelto en una pelea durante una presentación en vivo con el baterista Gavan Whelan, siendo este último requerido de dejar la banda y reemplazado meses después por David Baynton-Power.
Con la pérdida del distintivo sonido de la batería de Whelan, sonido que los había caracterizado en más de una producción, los James se dan cuenta de que necesitan ‘reclutar’ a nuevos músicos para darle un nuevo impulso a su carrera y evolucionar musicalmente.
Bajo estas circunstancias llegan a la banda tres nuevos miembros: Saul Davies (guitarra, violín y percusión), Mark Hunter (teclados) y Andy Diagram (trompeta y percusión).
Con ellos, James se convierte en un septeto y regresan al estudio a grabar el que sería su mejor álbum en mi modesta opinión.
Con todo lo ocurrido podían suceder dos cosas: O bien que con su próxima producción en estudio sobresalieran y se consolidaran de una buena vez como una de las agrupaciones más importantes de la escena, o que la banda planteara seriamente su disolución en caso llegara un fracaso más a tocarles la puerta.
Afortunadamente para todos nosotros sucedió lo primero y fue Gold Mother el álbum que hizo despertar la adormilada magia de James.
Esta producción se grabó entre agosto y octubre de 1989 y anticipándose a su salida llegaron los maravillosos singles Sit Down y Come Home, como anunciando el tremendo éxito que les llegaba de una vez por todas.
En un principio se intentó que Gold Mother saliera bajo la disquera Rough Trade Records pero el dueño de la misma, Geoff Travis, les empezó a dar largas pues estaba seguro de que James sólo vendería unas 20000 ó 30000 copias.
Esto no iba a detenerlos: Convencidos de que podían llegar a mucho más, el grupo compra los derechos del álbum y realiza un tour de invierno a finales de ese mismo año, tour que les valió un contrato discográfico con la disquera Fontana Records.
James terminaba prácticamente una década de mala suerte con cierto optimismo y empezaba, merecidamente, a ver una luz al final del túnel.
Gold Mother estaría entre nosotros para junio de 1990 y con él, James ganaría el tan esperado reconocimiento general que tanto se había hecho esperar (prueba de ello es que saldrían de gira con David Bowie y The Cure a mediados de año).
Con singles del calibre de “how was it for you”, “come home” o “lose control”, que se situaron bastante alto en las listas de popularidad, el éxito les empezaba a sonreír y éste fue consolidado a fin de año en dos espectaculares presentaciones con lleno total en el G-Mex de Manchester.
James era la banda que todos querían escuchar y no tenían todavía ningún hit en su haber.
Pero éste llegaría en marzo de 1991 con el re-editado como single “sit down”, que se ubicó en el # 2 en las listas de UK y se convirtió en uno de los más vendidos del año.
Inteligentemente, el álbum Gold Mother fue también re-editado en mayo de 1991 incluyendo esta vez los temas “sit down” y “lose control”, logrando con ello vender más de 300000 copias en un abrir y cerrar de ojos.
James, que se había por fin conseguido desmarcar de la sombra de los Smiths, llegaba finalmente a la cima con esta producción que tiene de todo: Unos temas bailables muy propios de principio de los ’90 y otros que parecen haber sido hechos en medio de una profunda depresión.
Come Home
Pero la canción “sit down” no sólo es el single de mayor éxito para James (que dicho sea de paso, fue el primero de la banda que puso MTV regularmente), sino que posee un gran valor sentimental para el cantante Tim Booth: Dicen que en su época de estudiante, cuando le dijeron que su padre se estaba debatiendo entre la vida y la muerte, cogió uno de sus discos y se encerró en un salón para escucharlo a todo volumen.
El disco resultó ser el Horses de Patti Smith, cantante que posiblemente sea la mayor inspiración e influencia que tuvo Tim.
Patti Smith es una de las dos mujeres para las que Booth escribió el tema “sit down” a manera de agradecimiento pero, ¿saben quién es la otra?
Es también en 1991 cuando James colabora en el álbum tributo a Leonard Cohen llamado I’m your fan (tributo en el que también se dieron cita R.E.M., Pixies, The House of Love, Nick Cave & The Bad Seeds entre otros), haciendo el tema “so long Marianne” que me parece de escucha obligatoria.
La banda pasaría el resto del año grabando su siguiente producción, Seven, que finalmente fue sacada al mercado para febrero de 1992, un mes después de la salida del single Born of frustration, que hacía recordar demasiado a la banda Simple Minds.
Es más, estos últimos debieron hacerle un ‘cover’ a este tema e incluirlo en su álbum Neon Lights del 2001: Seguro que comercialmente les habría ido mucho mejor.
Previa a la salida del Seven, James ya era una banda que estaba acostumbrada a que las entradas para sus presentaciones en UK se acabaran días antes.
Como cambiando de aires, es justo después de la salida de este álbum que el grupo se embarca en un primer y gigantesco tour por tierras norteamericanas, donde consigue un enorme éxito.
Seven llega al # 2 en las listas de popularidad y los termina de hacer conocidos en todo el mundo.
Pero no todo era color de rosa: Contrariamente a lo que sus giras demostraban y al éxito global que lograban por fin tener, la prensa especializada (la más conservadora) se mostró negativa al redactar la crítica de este trabajo, calificándolo de demasiado pretencioso y ampuloso, además de compararlos ahora con los Simple Minds (comparación que no es tan tirada de los pelos).
Ampuloso o no, el disco me parece tan bueno como el anterior y no obstante la intención (por ese entonces) de gran parte de la prensa de menospreciarlo, la verdad es que reafirmó a James como una de las bandas más importantes del panorama musical mundial.
Born of frustration
Un tanto desanimados por las opiniones de su trabajo y aún sabiendo que éstas habían sido por demás exageradas, la banda sintió ganas de regresar a sus raíces acústicas y redescubrir su sonido.
Como si alguien allá arriba los entendiera y escuchara, justo por esos días les llega una invitación de Neil Young para salir de gira acústica por los US, invitación que sin duda alguna aceptan.
Al regreso, a parte de contar con el apoyo de Brian Eno para su siguiente álbum y de haber ofrecido otras exitosas giras junto a Tom Tom Club, Black Sheep y The Soupdragons, los James estaban con energías totalmente renovadas y listos para trabajar en su siguiente producción.
Eno, impresionado al ver la gran afición que la banda tenía por la improvisación y las espontáneas sesiones musicales que entregaban, decide que el siguiente disco de James sería producto de un proceso basado en eso: Dejarlos tocar y darles absoluta libertad en creatividad musical, proceso que más tarde el grupo definiría como un ‘viaje de auto-descubrimiento‘.
Al término del mismo se obtuvieron dos discos: El primero, de canciones maravillosas llamado Laid y el segundo, de sonidos experimentales y sesiones musicales mezcladas por Eno llamado Wah Wah, que no era otra cosa que el complemento de su antecesor.
Laid salió a la superficie en septiembre de 1993.
Fanáticos y crítica se sorprendieron por el sonido fresco, diferente y bien mezclado del disco: Automáticamente fue denominado el mejor trabajo de James por la mayoría.
El autor del distintivo sonido de trompeta que percibimos en muchas de sus canciones, Andy Diagram, decide dejar la banda justo después de la grabación de este trabajo.
Laid resultó ser todo un suceso en US, contrastando su puesto #68 en las listas de popularidad con las más de 600000 copias vendidas.
Se embarcan entonces en una larga gira por ese país durante la mayor parte de 1994, después de empezar ese mismo año siendo invitados especiales de Duran Duran.
Laid
El complemento de este gran álbum, Wah Wah, recién sale a la luz un año después, en septiembre de 1994, y obtiene una indiferente atención por parte del público: El tiempo que se había dejado pasar entre la presentación de ambos trabajos hizo que Wah Wah fuera visto como un trabajo totalmente nuevo, diferente y que nada tenía que ver con Laid, cuando en realidad los dos se concibieron y grabaron en las mismas fechas y deberían haberse visto y presentado como uno solo.
Posteriormente, el guitarrista Larry Gott anunciaría que dejaba la banda, cosa que afectó grandemente al resto de miembros.
A esto se sumaría la partida del manager, Martine, el descubrimiento de un desfalco por 250000 libras esterlinas y para rematar, el anuncio de Tim Booth de hacer un alto con James para trabajar en una producción alternativa con Angelo Badalamenti.
Pero este no iba a ser el final: Adrian Oxaal reemplazaría a Gott y junto al resto del grupo se encerraría en un estudio improvisado en casa de David Baynton-Power, para grabar la siguiente producción.
Tim viajaría periódicamente desde US para añadir su voz a los trabajos musicales.
El próximo trabajo de James, Whiplash, salió en febrero de 1997 y los puso de vuelta en boca de todos.
El éxito les volvía a sonreír, consiguiendo ventas regulares y llegando al # 10 en popularidad gracias, entre otras cosas, al single “she’s a star”.
El álbum combina -en unas canciones mejor que en otras- el ritmo pop con algunas influencias techno, muy propias de los ’90, que ya se pueden apreciar claramente a partir del experimental Wah Wah.
Por decirlo de alguna manera, es uno de esos trabajos que las radios nunca dudarían en poner.
Whiplash cosecharía mucha variedad de juicios y opiniones, pero a estas alturas los fanáticos de toda la vida empezaban a percibir que el amor por la improvisación que definía a James, estaba desvaneciéndose paulatinamente.
No obstante, la banda sale de gira para promocionar el álbum, reclutando para ello en los US a Michael Kulas como guitarra de acompañamiento.
Para mala suerte, Tim se fractura el cuello bailando en una de sus numerosas presentaciones, obligando al grupo a cancelar el resto de ellas y teniendo que someterse a cirugía de emergencia.
She’s a star
Encima, las discusiones por dinero entre Booth y Glennie llegan a su punto más álgido, separándolos por cerca de un año y haciendo muy complicado para los demás integrantes, el continuar con los conciertos y sesiones de grabación.
Para marzo de 1998 saldría un recopilatorio con las mejores canciones de James, The Best Of, que llegaría increíblemente al # 1 en las listas inglesas y se convertiría en el mayor éxito de su carrera.
Para celebrarlo, el grupo salió de gira por el resto del año obteniendo llenos totales donde quiera que se presentaban.
Es a estas alturas que les perdí la pista.
Escuché alguna vez temas sueltos de sus siguientes dos producciones: Millionaires de 1999, que contó con la participación de Sinead O’Connor (en “crush”, “just like Fred Astaire”, “I know what I’m here for”), canciones que me parecieron ‘normalitas’ y el único single del Pleased to Meet You del 2001 (de nuevo bajo la batuta de Brian Eno), “getting away with it (all messed up)”, que si me pareció bastante notable y que a la postre se convertiría en el último ‘manotazo de ahogado‘ que dio la banda en estudio.
En resumen, un grupo notable con una carrera cargada de altibajos que se debieron más que nada al -por lo general- muy mal hábito de intentar agradar a todos y a ciertas decisiones mal tomadas en su momento.
Si bien no considero que James tenga un álbum esencial, me parece que en cualquier colección musical sería justo encontrar el Gold Mother, el Seven y el Laid, en particular el primero pues es una extraña pero buena mezcla entre lo comercial y lo sobresaliente, con temas muy bailables y atractivos así como tristes y melancólicos: Creo que captura muy bien ese sonido original de improvisación que tenían los James, antes de llegar a ser demasiado conocidos.
Actualmente están de vuelta de la mano de su décimo disco en estudio, Hey Ma (Mercury, 2008).
Con una trayectoria que data desde principios de los ’80 y objeto de múltiples e inevitables comparaciones con otras bandas como The Smiths, Simple Minds, Deacon Blue, U2, etc. la verdad es que esta agrupación supo ganarse un merecido lugar entre la difícil y competitiva escena musical de aquellas épocas, aunque rara vez sean tomados como referencia o considerados una banda de primer nivel.
Si tuviera que definir en una palabra la esencia de la gran mayoría de los temas de James, seguramente esta sería ‘melancolía‘.
Podría citar, para ilustrar esta definición, temas como “don’t wait that long”, “everybody knows”, “walking the ghost” o “(don’t let go on) top of the world”, melodías que sin llegar a ser depresivas poseen un gran contenido dramático, el mismo que se ve acrecentado por la profunda y casi siempre desconsolada voz de su líder.
Si bien el éxito y la popularidad nunca les llegó a sonreír del todo, muchas bandas que en su momento los ‘telonearon’ lograron consolidarse definitivamente después de salir de gira con ellos: En 1988 los escogidos fueron los Stone Roses y un poco después los Happy Mondays (irónicamente, James los ‘telonearía’ dos años después); en 1991, Nirvana (un mes después su álbum Nevermind alcanzaría el primer lugar en las listas); en 1993, Radiohead; en 1997 le tocó el turno a Third Eye Blind; en 1988, The Corrs y luego Stereophonics; en 1999, Supergrass y más tarde Doves; para el 2000 el grupo telonero fue Coldplay (cuyo single “yellow” saldría solo un mes después, siendo todo un suceso).
En cuestiones de popularidad y reconocimiento las bandas que abrían sus conciertos parecían llevarse la mayor parte del crédito, dejando a James inmerso en un irremediable y constante segundo plano.
Aunque se dice que fue en el año 1980 cuando empezaron las correrías de la banda, la mayor parte de crónicas de revistas y artículos escritos le dan el inicio ‘oficial’ en el año 1981 cuando un joven entusiasta de nombre Paul Gilbertson, inmensamente influenciado por los grupos post-punk de la época y el consumo de drogas, termina por convencer a uno de sus mejores amigos, Jim Glennie, de que se compre un bajo y forme una banda con él.
Sin importar los músicos que les acompañaban, ambos empezaron a ensayar en el dormitorio de Glennie de manera continua hasta que dieron con el baterista Gavan Whelan, cuya peculiar, extraña y tribal manera de tocar, le dio a la agrupación un corte musical diferente, que llamaba la atención al contrastar con el estilo algo desordenado y sin supervisión -muy propio de las primeras experiencias musicales- de las guitarras de sus dos compañeros.
El hacer numerosas actuaciones aquí y allá les hizo ganar bastante experiencia. En el camino probaron con muchos otros músicos y vocalistas para definir el estilo y la conformación definitiva de la banda: Eran tiempos de inseguridad, confusión y gran agitación musical, y las ganas de hacerlo bien y poder sobresalir en el escenario los lleva a un constante cambio de integrantes y de nombre: Veneral and The Diseases, Volume Distortion, Model Team International, para luego quedarse momentáneamente simplemente como Model Team.
Una de sus primeras apariciones significativas fue como ‘teloneros’ de la banda The Fall, bajo el primario nombre de Volume Distortion a principios de los ochentas.
Esto haría que una muy reducida parte de público y de la siempre importante crítica, les empezara a tomar atención.
Para principios de 1982, ya conocidos como Model Team International, graban su primer demo real con una vocalista de nombre Jenny Ingram.
En marzo de ese mismo año Jim, Gavan y Paul van a una discoteca de la universidad de Manchester y quedan más que sorprendidos por la ‘indescriptible’ forma de bailar de cierto estudiante, del que luego se supo que se había ‘colado’ en el recinto.
Sin perder tiempo, lo invitan a la banda como bailarín.
Lejos estaban en ese momento de saber que este chico de abultado cabello, ropa extraña e ‘indescriptible’ forma de moverse en el escenario, sería el que finalmente le daría a la banda la fuerza y personalidad que tanto habían estado buscando: Así se une a Model Team International el señor Tim Booth, que sería rápidamente propuesto y aceptado como el nuevo vocalista.
Tim hace su debut con el grupo en abril de 1982, cuando ‘telonean’ a Orange Juice.
Meses después graban un demo de cuatro canciones, lo que significaría su primer trabajo con la banda. En agosto del mismo año el grupo cambiaría por última vez su nombre, autodenominándose James: Esto fue debido a la idea que propuso Gilbertson de ponerse el nombre de uno de sus integrantes, y el escogido fue el sugerido por Glennie.
Así, el nombre James fue considerado ‘suficientemente amorfo’ para ser usado por el grupo. Debutan entonces como James (Not a poet) y Tim empieza las presentaciones leyendo un poema.
Antes de terminar el año, abrirían uno de los conciertos de New Order.
Bajo la premisa propuesta por Gilbertson de que cada uno se concentre en su propio sonido, rechazando cualquier cosa que suene parecido a otras bandas y que perdieran el miedo a probar cosas y experimentar, James empieza a sonar mucho mejor.
En otra de sus presentaciones en el mítico ‘nightclub’ de Manchester -que se había convertido en su segunda casa- The Hacienda, llamaron la atención de Tony Wilson, fundador de Factory Records, quien les ofrece realizar su primer álbum larga duración en estudio (pues hasta entonces James tocaba sólo en vivo).
Este ofrecimiento sería rechazado, básicamente por el miedo que tenía la agrupación de disminuir la pegada que habían causado tocando en directo, además de la inseguridad de poder canalizar sus respectivos talentos individuales y ser capaces de juntarlos en un estudio para realizar una producción completa.
En vez de esto, la banda hace un single de tres temas, Jimone, que significaría su debut con esta compañía en noviembre de 1983.
Muchos diarios musicales locales lo nombrarían el single de la semana y dada la acogida, ‘telonearían’ a The Smiths el mismo mes en The Hacienda y nuevamente a los New Order en el mes de diciembre.
Parecía que el ascenso tanto en popularidad como en producciones de la banda iba a ser notable a partir de ese momento.
Sin embargo, empiezan a surgir algunos inconvenientes que retrasan su evolución y carrera hacia el descomunal éxito que todos predecían: Los problemas de drogas de Gilbertson comenzaban a causar estragos al interior, haciendo insoportablemente lenta la realización de temas originales y propios del grupo, razón por la cual no les queda otra opción que decirle que abandone James.
También está el hecho de que en su profunda búsqueda espiritual, Booth y Glennie se terminan uniendo a una secta llamada ‘Lifewave‘ que no hace otra cosa que ponerles numerosas restricciones en sus vidas, amenazando con ello la estabilidad de la banda.
Así, después de un año de la realización del primer single, sale el segundo de nombre James II (marzo – 1985), ahora con Larry Gott a cargo de la guitarra.
Las críticas vuelven a ser buenas y Factory Records se mostraba ansiosa porque James sacara su primer LP con ellos, pero inexplicablemente, el grupo abandona la compañía llegando a un acuerdo con los directivos de otra discográfica: Sire Records…
Para finales de 1984 James volvería a salir de gira con The Smiths, agrupación con la que ya desde antes se les asociaba debido a la sobreprotección que su líder demostraba hacia ellos en diversas entrevistas y artículos.
Es más, en ese mismo año, Morrissey los describiría como ‘la mejor banda del mundo’, situación que los haría ver como ‘hijos’ de los Smiths, y contra la que durante todos los años ochenta tendrían que luchar.
A mi entender, James siempre hizo en sus discos todo lo posible por diferenciarse al máximo de ellos, razón que terminó por anular parcialmente la creatividad musical del grupo y retrasar bastante su consolidación, que finalmente se daría a principios de los noventas.
Es un secreto a voces que el hit de Morrissey del año 1992, “we hate it when our friends become succesful”, fue escrito y dedicado al éxito que James por fin obtenía en esas fechas.
A principios de 1985, James empieza ya a salir en portadas de revistas (en particular en una muy importante de nombre NME: New Musical Express) y en junio de ese mismo año, sale su tercer trabajo, Village Fire (Five Offerings from James), que no es más que la agrupación de los dos singles anteriores en un solo álbum.
También en el transcurso de ese año, la banda dejaría de acompañar a The Smiths en un voceado tour por los US, se presentaría en el Festival de Glastonbury y haría numerosas apariciones en vivo dentro y fuera de Manchester.
En marzo de 1986 llegaría su tercer single: Sit Down (que nada tenía que ver con el hit que posteriormente conseguirían con la canción del mismo nombre), seguido por otro single, So Many Ways, y su -finalmente- primer trabajo de nombre Stutter, que llegaría en junio del mismo año.
No obstante el gran debut, las críticas de la prensa especializada fueron en general desfavorables debido al muy lento progreso de la banda, críticas que hicieron que la compañía disquera que los representaba perdiera casi todo el interés en ellos.
Así, este trabajo recibió una más que modesta promoción: Sólo llegó al puesto #68 en UK.
Corrían los inicios de 1987 y casi sin dinero, cobertura ni promoción, James graba su segundo álbum en febrero, Strip-mine, álbum de sonido diferente tirando a lo más convencional, que responde a un desesperado intento de ‘agradar’ a su todavía disquera Sire Records.
Pero la compañía no ve nada especial en él y en un principio se niega a sacarla. Después de unos cuantos ‘forcejeos’ con la banda y una especie de ‘re-producción’ del trabajo con modificaciones en el sonido principalmente para poder comercializarse en las radios, Sire acepta producirlo recién para Septiembre de 1988 negándole eso sí, cualquier tipo de promoción alguna, cosa que lo hundió en un pobre #90 de popularidad en UK.
Afortunadamente, en el contrato del grupo con la mencionada disquera había una cláusula que decía que en el transcurso de los seis meses siguientes a la entrega del segundo álbum, la banda podía decidir si quedarse para cinco trabajos más o terminar el contrato.
Obviamente James optaría por salirse y poco después se vieron obligados a hacer una gira por UK, como único y necesario medio de promoción del Strip-Mine.
En este punto de sus carreras, deben haberse arrepentido enormemente de haber rechazado a Factory Records…
Ahora, sin pertenecer a disquera alguna y con el abandono del interés de la prensa por ellos, es cuando los problemas de la continuidad de la banda se hacen cada vez más grandes.
Desesperados por dinero para seguir financiando su carrera, pues estaban convencidos de que podían dar mucho más, los miembros de la banda se ven llevados al increíble extremo de participar como conejillos de indias para algunos experimentos médicos realizados por la Manchester Royal Infirmary (un conocido hospital), ganando así el derecho de aparecer como invitados en un programa de televisión local que hablaba de la ‘desesperación de las agonizantes estrellas de rock‘.
Pero James estaba todavía muy lejos de entrar en agonía.
Si bien comercialmente sus discos no eran un suceso, sus conciertos seguían siendo de lo mejor: Presentaban a menudo un lleno total y dejaban satisfechos a los miles de seguidores que por entonces ya tenían.
Lo más importante que tuvieron en esos momentos y una de las principales razones que mantuvo unida a la banda, fue su sólido club de fanáticos.
Este se encargaba de expandir la fama del grupo y siempre hablaba de él como ‘el secreto mejor guardado de Manchester‘.
Otro gran apoyo fue la -inauditamente masiva- venta de camisetas con el logotipo del grupo: Hoy los James bromean diciendo que en esos días vendían más camisetas que discos pero, en esa época no era ninguna broma.
Para noviembre de 1988 tocan dos noches en el Bath Moles Club, tocatas que son grabadas y que luego serían editadas para la posterior entrega del álbum en vivo, One Man Clapping (que saldría para marzo de 1990), gracias a la ayuda económica de un fanático (que resultó ser gerente de un banco) y de la disquera Rough Trade Records.
One Man Clapping llegó al primer lugar en las listas indies consiguiendo atrapar la atención de la prensa especializada nuevamente.
Por estas mismas fechas, Tim se ve envuelto en una pelea durante una presentación en vivo con el baterista Gavan Whelan, siendo este último requerido de dejar la banda y reemplazado meses después por David Baynton-Power.
Con la pérdida del distintivo sonido de la batería de Whelan, sonido que los había caracterizado en más de una producción, los James se dan cuenta de que necesitan ‘reclutar’ a nuevos músicos para darle un nuevo impulso a su carrera y evolucionar musicalmente.
Bajo estas circunstancias llegan a la banda tres nuevos miembros: Saul Davies (guitarra, violín y percusión), Mark Hunter (teclados) y Andy Diagram (trompeta y percusión).
Con ellos, James se convierte en un septeto y regresan al estudio a grabar el que sería su mejor álbum en mi modesta opinión.
Con todo lo ocurrido podían suceder dos cosas: O bien que con su próxima producción en estudio sobresalieran y se consolidaran de una buena vez como una de las agrupaciones más importantes de la escena, o que la banda planteara seriamente su disolución en caso llegara un fracaso más a tocarles la puerta.
Afortunadamente para todos nosotros sucedió lo primero y fue Gold Mother el álbum que hizo despertar la adormilada magia de James.
Esta producción se grabó entre agosto y octubre de 1989 y anticipándose a su salida llegaron los maravillosos singles Sit Down y Come Home, como anunciando el tremendo éxito que les llegaba de una vez por todas.
En un principio se intentó que Gold Mother saliera bajo la disquera Rough Trade Records pero el dueño de la misma, Geoff Travis, les empezó a dar largas pues estaba seguro de que James sólo vendería unas 20000 ó 30000 copias.
Esto no iba a detenerlos: Convencidos de que podían llegar a mucho más, el grupo compra los derechos del álbum y realiza un tour de invierno a finales de ese mismo año, tour que les valió un contrato discográfico con la disquera Fontana Records.
James terminaba prácticamente una década de mala suerte con cierto optimismo y empezaba, merecidamente, a ver una luz al final del túnel.
Gold Mother estaría entre nosotros para junio de 1990 y con él, James ganaría el tan esperado reconocimiento general que tanto se había hecho esperar (prueba de ello es que saldrían de gira con David Bowie y The Cure a mediados de año).
Con singles del calibre de “how was it for you”, “come home” o “lose control”, que se situaron bastante alto en las listas de popularidad, el éxito les empezaba a sonreír y éste fue consolidado a fin de año en dos espectaculares presentaciones con lleno total en el G-Mex de Manchester.
James era la banda que todos querían escuchar y no tenían todavía ningún hit en su haber.
Pero éste llegaría en marzo de 1991 con el re-editado como single “sit down”, que se ubicó en el # 2 en las listas de UK y se convirtió en uno de los más vendidos del año.
Inteligentemente, el álbum Gold Mother fue también re-editado en mayo de 1991 incluyendo esta vez los temas “sit down” y “lose control”, logrando con ello vender más de 300000 copias en un abrir y cerrar de ojos.
James, que se había por fin conseguido desmarcar de la sombra de los Smiths, llegaba finalmente a la cima con esta producción que tiene de todo: Unos temas bailables muy propios de principio de los ’90 y otros que parecen haber sido hechos en medio de una profunda depresión.
Come Home
Pero la canción “sit down” no sólo es el single de mayor éxito para James (que dicho sea de paso, fue el primero de la banda que puso MTV regularmente), sino que posee un gran valor sentimental para el cantante Tim Booth: Dicen que en su época de estudiante, cuando le dijeron que su padre se estaba debatiendo entre la vida y la muerte, cogió uno de sus discos y se encerró en un salón para escucharlo a todo volumen.
El disco resultó ser el Horses de Patti Smith, cantante que posiblemente sea la mayor inspiración e influencia que tuvo Tim.
Patti Smith es una de las dos mujeres para las que Booth escribió el tema “sit down” a manera de agradecimiento pero, ¿saben quién es la otra?
Es también en 1991 cuando James colabora en el álbum tributo a Leonard Cohen llamado I’m your fan (tributo en el que también se dieron cita R.E.M., Pixies, The House of Love, Nick Cave & The Bad Seeds entre otros), haciendo el tema “so long Marianne” que me parece de escucha obligatoria.
La banda pasaría el resto del año grabando su siguiente producción, Seven, que finalmente fue sacada al mercado para febrero de 1992, un mes después de la salida del single Born of frustration, que hacía recordar demasiado a la banda Simple Minds.
Es más, estos últimos debieron hacerle un ‘cover’ a este tema e incluirlo en su álbum Neon Lights del 2001: Seguro que comercialmente les habría ido mucho mejor.
Previa a la salida del Seven, James ya era una banda que estaba acostumbrada a que las entradas para sus presentaciones en UK se acabaran días antes.
Como cambiando de aires, es justo después de la salida de este álbum que el grupo se embarca en un primer y gigantesco tour por tierras norteamericanas, donde consigue un enorme éxito.
Seven llega al # 2 en las listas de popularidad y los termina de hacer conocidos en todo el mundo.
Pero no todo era color de rosa: Contrariamente a lo que sus giras demostraban y al éxito global que lograban por fin tener, la prensa especializada (la más conservadora) se mostró negativa al redactar la crítica de este trabajo, calificándolo de demasiado pretencioso y ampuloso, además de compararlos ahora con los Simple Minds (comparación que no es tan tirada de los pelos).
Ampuloso o no, el disco me parece tan bueno como el anterior y no obstante la intención (por ese entonces) de gran parte de la prensa de menospreciarlo, la verdad es que reafirmó a James como una de las bandas más importantes del panorama musical mundial.
Born of frustration
Un tanto desanimados por las opiniones de su trabajo y aún sabiendo que éstas habían sido por demás exageradas, la banda sintió ganas de regresar a sus raíces acústicas y redescubrir su sonido.
Como si alguien allá arriba los entendiera y escuchara, justo por esos días les llega una invitación de Neil Young para salir de gira acústica por los US, invitación que sin duda alguna aceptan.
Al regreso, a parte de contar con el apoyo de Brian Eno para su siguiente álbum y de haber ofrecido otras exitosas giras junto a Tom Tom Club, Black Sheep y The Soupdragons, los James estaban con energías totalmente renovadas y listos para trabajar en su siguiente producción.
Eno, impresionado al ver la gran afición que la banda tenía por la improvisación y las espontáneas sesiones musicales que entregaban, decide que el siguiente disco de James sería producto de un proceso basado en eso: Dejarlos tocar y darles absoluta libertad en creatividad musical, proceso que más tarde el grupo definiría como un ‘viaje de auto-descubrimiento‘.
Al término del mismo se obtuvieron dos discos: El primero, de canciones maravillosas llamado Laid y el segundo, de sonidos experimentales y sesiones musicales mezcladas por Eno llamado Wah Wah, que no era otra cosa que el complemento de su antecesor.
Laid salió a la superficie en septiembre de 1993.
Fanáticos y crítica se sorprendieron por el sonido fresco, diferente y bien mezclado del disco: Automáticamente fue denominado el mejor trabajo de James por la mayoría.
El autor del distintivo sonido de trompeta que percibimos en muchas de sus canciones, Andy Diagram, decide dejar la banda justo después de la grabación de este trabajo.
Laid resultó ser todo un suceso en US, contrastando su puesto #68 en las listas de popularidad con las más de 600000 copias vendidas.
Se embarcan entonces en una larga gira por ese país durante la mayor parte de 1994, después de empezar ese mismo año siendo invitados especiales de Duran Duran.
Laid
El complemento de este gran álbum, Wah Wah, recién sale a la luz un año después, en septiembre de 1994, y obtiene una indiferente atención por parte del público: El tiempo que se había dejado pasar entre la presentación de ambos trabajos hizo que Wah Wah fuera visto como un trabajo totalmente nuevo, diferente y que nada tenía que ver con Laid, cuando en realidad los dos se concibieron y grabaron en las mismas fechas y deberían haberse visto y presentado como uno solo.
Posteriormente, el guitarrista Larry Gott anunciaría que dejaba la banda, cosa que afectó grandemente al resto de miembros.
A esto se sumaría la partida del manager, Martine, el descubrimiento de un desfalco por 250000 libras esterlinas y para rematar, el anuncio de Tim Booth de hacer un alto con James para trabajar en una producción alternativa con Angelo Badalamenti.
Pero este no iba a ser el final: Adrian Oxaal reemplazaría a Gott y junto al resto del grupo se encerraría en un estudio improvisado en casa de David Baynton-Power, para grabar la siguiente producción.
Tim viajaría periódicamente desde US para añadir su voz a los trabajos musicales.
El próximo trabajo de James, Whiplash, salió en febrero de 1997 y los puso de vuelta en boca de todos.
El éxito les volvía a sonreír, consiguiendo ventas regulares y llegando al # 10 en popularidad gracias, entre otras cosas, al single “she’s a star”.
El álbum combina -en unas canciones mejor que en otras- el ritmo pop con algunas influencias techno, muy propias de los ’90, que ya se pueden apreciar claramente a partir del experimental Wah Wah.
Por decirlo de alguna manera, es uno de esos trabajos que las radios nunca dudarían en poner.
Whiplash cosecharía mucha variedad de juicios y opiniones, pero a estas alturas los fanáticos de toda la vida empezaban a percibir que el amor por la improvisación que definía a James, estaba desvaneciéndose paulatinamente.
No obstante, la banda sale de gira para promocionar el álbum, reclutando para ello en los US a Michael Kulas como guitarra de acompañamiento.
Para mala suerte, Tim se fractura el cuello bailando en una de sus numerosas presentaciones, obligando al grupo a cancelar el resto de ellas y teniendo que someterse a cirugía de emergencia.
She’s a star
Encima, las discusiones por dinero entre Booth y Glennie llegan a su punto más álgido, separándolos por cerca de un año y haciendo muy complicado para los demás integrantes, el continuar con los conciertos y sesiones de grabación.
Para marzo de 1998 saldría un recopilatorio con las mejores canciones de James, The Best Of, que llegaría increíblemente al # 1 en las listas inglesas y se convertiría en el mayor éxito de su carrera.
Para celebrarlo, el grupo salió de gira por el resto del año obteniendo llenos totales donde quiera que se presentaban.
Es a estas alturas que les perdí la pista.
Escuché alguna vez temas sueltos de sus siguientes dos producciones: Millionaires de 1999, que contó con la participación de Sinead O’Connor (en “crush”, “just like Fred Astaire”, “I know what I’m here for”), canciones que me parecieron ‘normalitas’ y el único single del Pleased to Meet You del 2001 (de nuevo bajo la batuta de Brian Eno), “getting away with it (all messed up)”, que si me pareció bastante notable y que a la postre se convertiría en el último ‘manotazo de ahogado‘ que dio la banda en estudio.
En resumen, un grupo notable con una carrera cargada de altibajos que se debieron más que nada al -por lo general- muy mal hábito de intentar agradar a todos y a ciertas decisiones mal tomadas en su momento.
Si bien no considero que James tenga un álbum esencial, me parece que en cualquier colección musical sería justo encontrar el Gold Mother, el Seven y el Laid, en particular el primero pues es una extraña pero buena mezcla entre lo comercial y lo sobresaliente, con temas muy bailables y atractivos así como tristes y melancólicos: Creo que captura muy bien ese sonido original de improvisación que tenían los James, antes de llegar a ser demasiado conocidos.
Actualmente están de vuelta de la mano de su décimo disco en estudio, Hey Ma (Mercury, 2008).
miércoles, 20 de octubre de 2010
ARCADE FIRE
ARCADE FIRE
Arcade Fire es un grupo surgido en Montreal, Canadá. Su estilo es calificado como art-rock e indie rock. El grupo está compuesto por Win Butler, Régine Chassagne, Richard Reed Parry, William Butler, Tim Kingsbury, Sarah Neufeld y Jeremy Gara. Actualmente la banda incluye en sus conciertos a la violinista Marika Anthony-Shaw.
Arcade Fire han conseguido introducir instrumentos que no son frecuentes en una banda de rock como pueden ser violines, violas, violonchelos, pianos, mandolinas, ukeleles, acordeones, xilófonos y hasta reliquias medievales como la zanfona, consiguiendo unos sonidos completamente nuevos que funcionan muy bien con sus complejas y rítmicas letras.
La banda se caracteriza por sus cautivadoras presentaciones en vivo, con variados músicos eximios, llevan su diversidad instrumental en sus tours haciendo que estos mismos miembros vayan cambiando de instrumentos en los shows en vivo.
En la actualidad es la banda independiente que más exito ha alcanzado y esta considerada la primera gran banda del siglo XXI
HISTORIA
FORMACION DE LA BANDA
Arcade Fire se crearon entorno al matrimonio formado por Win Butler y Régine Chassagne. Sus inicios se remontan a mediados del año 2002 y la actual formación se consolidó entre finales de 2003 y principios de 2004, cuando se grabó su magnífico primer álbum (Funeral). Anteriormente a este álbum grabaron un EP (de nombre Arcade Fire y conocido por sus seguidores como Us Kids Know) que vendían en sus primeros conciertos. Cuando la banda comenzó a adquirir relevancia, el EP fue remasterizado y puesto a la venta.
El número de instrumentos, junto con un amplio repertorio de influencias les han provisto de una enorme paleta sonora al momento de grabar su música. La espectacularidad y originalidad de sus conciertos les permitió sellar un contrato con la discográfica independiente Merge Records.
Consultado acerca del rumor sobre si el origen del nombre de la banda se refería a un fuego dentro de un juego de arcade, Win Butler respondió: "No se trata de un rumor, esta basado en una historia que alguien me contó, no se trata de un hecho real sino que yo lo tomo como si hubiese sido real. Yo diría que es probablemente algo que un chico inventó, pero que yo en ese tiempo creí." El juego en cuestión estaba ubicado en el centro comercial de Exeter, New Hampshire, donde Butler asistió a la Phillips Exeter Academy.
FUNERAL
Su primer álbum, Funeral, fue lanzado en septiembre de 2004 en Canadá y en febrero de 2005 en el Reino Unido, desde el momento de su publicación fue ampliamente aclamado por la crítica especializada. El título fue elegido debido a las numerosas muertes de parientes de los miembros del grupo durante la grabación. Estos acontecimientos influyeron en la temática de canciones como "Une année sans lumière" ("A Year Without Light"), "In the Backseat" y "Haiti"; esta última está dedicada al país caribeño del que es originaria Régine Chassagne. Por otra parte "Neighborhood #3 (Power Out)" está basada en las experiencias del grupo durante la tormenta de nieve que recorrió América del Norte en 1998.
El éxito del grupo sin una discográfica fuerte a sus espaldas se produjo a través de internet, después de recibir una puntuación de 9,7 por parte de Pitchfork Media (publicación en internet de crítica musical). El sello Merge Records agotó todo su stock de álbumes, permitiéndole al grupo alcanzar el Billboard 200 (primera vez que lo conseguía un grupo de Marge Records). El éxito obligó a modificar la gira del grupo, teniendo que tocar en recintos más grandes de los que tenían confirmados inicialmente. A mediados de 2005 se produjo el éxito internacional a través de Estados Unidos, Europa e incluso Brasil y Japón donde llegaron a tocar en festivales. Para Pitchfork y No Ripcord, Funeral fue el mejor disco del año 2004. Mientras que MTV2 lo seleccionó como mejor disco del año 2005 y el New Musical Express lo seleccionó entre los mejores del mismo año, eligiendo "Rebellion (Lies)" como la mejor canción. En noviembre de 2005 alcanzaron el disco de oro en Canadá y Reino Unido y unas ventas totales de medio millón de discos. Estas cifras fueron todo un éxito para un grupo sin apoyo publicitario ni de medios de comunicación. Así mismo superaron al disco In the Aeroplane Over the Sea de los norteamericanos Neutral Milk Hotel como el grupo más vendedor de la discográfica Merge Records.
Arcade Fire fueron portada de la revista Time (edición canadiense) el 4 de abril, donde eran proclamados "responsables de poner a la música canadiense en el mapa". El 1 de mayo de 2005 la banda actuó ante aproximadamente 15.000 personas en el festival de música y artes de Coachella Valley. En mayo de 2005 firmaron un acuerdo de distribución con EMI y lanzaron el single "Cold Wind" incluido en la banda sonora de la serie televisiva "Dos metros bajo tierra". El 9 de septiembre de 2005 la banda grabó en Nueva York con David Bowie (gran seguidor del grupo) una versión de "Wake Up" y de las canciones de Bowie "Life on Mars" y "Five Years". La misma visita a Nueva York les permitió aparecer en el programa de David Letterman y dar un concierto en Central Park.
El 11 de septiembre de 2005 la banda realizó su primera aparición en la televisión británica, al actuar en el programa Top of the R interpretando "Rebellion (Lies)". Además, la banda actuó también en el Canal + francés. En el Reino Unido la banda alcanzó dos números uno con "Neighborhood #3 (Power Out)" y "Wake Up" en la lista del New Musical Express. La canción "Wake Up" fue utilizada por el grupo irlandés U2 para abrir sus conciertos del Vertigo Tour y Arcade Fire actuaron como teloneros en tres conciertos de la gira, interpretando en el tercero de ellos un versión de la canción de Joy Division, "Love Will Tear Us Apart" junto a los irlandeses. Además, la canción "wake up" se usa como trailer en la pelicula de Warner "Where the wild things are", lo cual le da aún más popularidad a la banda.
"Funeral" fue candidato a un premio Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Rock Alternativo y la canción "Cold Wind" fue nominada como Mejor canción para televisión o película. Así mismo, recibieron tres nominaciones a los Brit Awards (Mejor grupo Internacional, Mejor Álbum internacional y Mejor debut internacional). En abril de 2006 se alzaron con el premio Juno a los mejores compositores del año.
NEON BIBLE
El 26 de junio de 2006, Win Butler anunció que la banda había progresado en el trabajo de composición del nuevo álbum y que contaba con quince canciones para grabar, usando una amplia variedad de nuevos instrumentos. Algunas de estas grabaciones se hicieron en la sala de estar de la casa de Win y Regine.
Posteriormente, el 14 de julio de 2006, Win anunciaba en su diario digital que el nuevo álbum sería producido por el grupo, diciendo que “Después de intentar decidir si debíamos trabajar con algún productor nos dimos cuenta que ya sabíamos como queríamos que las cosas sonaran, así que debíamos correr detrás de ese sonido lo más pronto que pudiéramos y no confiar en alguien más para guiar el buen barco de Arcade Fire.” También indicó que la banda iba a trabajar con los ingenieros Scott Colburn y Marcus Dravs.
Concierto de la banda en 2007.La gira para el año 2007 fue anunciada en diciembre de 2006. Los primeros conciertos tendrían lugar en Londres (del 29 de enero al 2 de febrero), tres en St Johns Smith Square y dos en Porchester Hall. Es reseñable que ambas localizaciones están más relacionadas con la música clásica que con el rock. Así mismo darían cinco conciertos en su ciudad natal Montreal. El álbum fue lanzado el 5 de marzo de 2007 (6 de marzo en Norteamérica), el primer single en Norteamérica fue "Black Mirror", mientras que en el Reino Unido se lanzó "Keep the Car Running".
El 24 de febrero actuaron en el Saturday Night Live interpretando "Intervention" y "Keep the Car Running".
Neon Bible fue grabado en el interior de una iglesia de Montreal, lo cual le da al disco un sonido mucho más acústico y espectral.
THE SUBURBS
En mayo de 2010 la banda anunció que estaba terminando de grabar su nuevo disco[1] , que se publicó el 2 de agosto en Europa y un día después en los Estados Unidos, con el nombre de The Suburbs y bajo el sello Merge Records.
El contenido del album está inspirado por los miembros de la banda Win y Will Butler y su infancia y juventud en un suburbio de Houston.[cita requerida]
El disco fue grabado en la residencia de Win Butler y Regine Chassagne en Montreal, con algunas partes grabadas en el estudio de la banda y otras en un estudio en Nueva York. El sonido del disco es diferente al de sus dos discos anteriores, con un sonido mucho mas eléctrico y evolucionado.[cita requerida]
El 5 de agosto de 2010 la banda transmitió en directo a través de YouTube su concierto en el Madison Square Garden de Nueva York, que contó con la dirección de Terry Gilliam.
En tan solo una semana luego de ponerse a la venta, el album alcanzo el puesto #1 en ventas en los Estados Unidos y en el Reino Unido. Esto sumado a sus actuaciones como banda principal en festivales como Osheaga y Lollapalooza en Norteamérica y Reading, Leeds y Rock en Seine en Europa, la banda finalmente se consolida como una de las más importantes en la actualidad.
Discografía
Álbumes
Funeral (2004)
Neon Bible (2007)
The Suburbs (2010)
EP
Arcade Fire (2003/2005): Lanzado inicialmente por el grupo en el 2003 y posteriormente por Merge Records en el 2005.
Singles
"Neighborhood #1 (Tunnels)" (Merge) (20 de junio de 2004) Limitado
"Neighborhood #2 (Laika)" (Rough Trade) (28 de marzo de 2005) #30 UK
"Neighborhood #3 (Power Out)" (Rough Trade) (23 de mayo de 2005) #26 UK
"Cold Wind" / "Brazil" (Rough Trade) (1 de agosto de 2005) [Limited] #52 UK
"Rebellion (Lies)" (Rough Trade) (5 de septiembre de 2005)) #19 UK
"Wake Up" (Rough Trade) (14 de noviembre de 2005) #29 UK
"Intervention" (Merge) (28 de diciembre de 2006) Descarga benéfica
"Keep the Car Running" (Rough Trade) (19 de marzo de 2007) #68 UK
Arcade Fire es un grupo surgido en Montreal, Canadá. Su estilo es calificado como art-rock e indie rock. El grupo está compuesto por Win Butler, Régine Chassagne, Richard Reed Parry, William Butler, Tim Kingsbury, Sarah Neufeld y Jeremy Gara. Actualmente la banda incluye en sus conciertos a la violinista Marika Anthony-Shaw.
Arcade Fire han conseguido introducir instrumentos que no son frecuentes en una banda de rock como pueden ser violines, violas, violonchelos, pianos, mandolinas, ukeleles, acordeones, xilófonos y hasta reliquias medievales como la zanfona, consiguiendo unos sonidos completamente nuevos que funcionan muy bien con sus complejas y rítmicas letras.
La banda se caracteriza por sus cautivadoras presentaciones en vivo, con variados músicos eximios, llevan su diversidad instrumental en sus tours haciendo que estos mismos miembros vayan cambiando de instrumentos en los shows en vivo.
En la actualidad es la banda independiente que más exito ha alcanzado y esta considerada la primera gran banda del siglo XXI
HISTORIA
FORMACION DE LA BANDA
Arcade Fire se crearon entorno al matrimonio formado por Win Butler y Régine Chassagne. Sus inicios se remontan a mediados del año 2002 y la actual formación se consolidó entre finales de 2003 y principios de 2004, cuando se grabó su magnífico primer álbum (Funeral). Anteriormente a este álbum grabaron un EP (de nombre Arcade Fire y conocido por sus seguidores como Us Kids Know) que vendían en sus primeros conciertos. Cuando la banda comenzó a adquirir relevancia, el EP fue remasterizado y puesto a la venta.
El número de instrumentos, junto con un amplio repertorio de influencias les han provisto de una enorme paleta sonora al momento de grabar su música. La espectacularidad y originalidad de sus conciertos les permitió sellar un contrato con la discográfica independiente Merge Records.
Consultado acerca del rumor sobre si el origen del nombre de la banda se refería a un fuego dentro de un juego de arcade, Win Butler respondió: "No se trata de un rumor, esta basado en una historia que alguien me contó, no se trata de un hecho real sino que yo lo tomo como si hubiese sido real. Yo diría que es probablemente algo que un chico inventó, pero que yo en ese tiempo creí." El juego en cuestión estaba ubicado en el centro comercial de Exeter, New Hampshire, donde Butler asistió a la Phillips Exeter Academy.
FUNERAL
El éxito del grupo sin una discográfica fuerte a sus espaldas se produjo a través de internet, después de recibir una puntuación de 9,7 por parte de Pitchfork Media (publicación en internet de crítica musical). El sello Merge Records agotó todo su stock de álbumes, permitiéndole al grupo alcanzar el Billboard 200 (primera vez que lo conseguía un grupo de Marge Records). El éxito obligó a modificar la gira del grupo, teniendo que tocar en recintos más grandes de los que tenían confirmados inicialmente. A mediados de 2005 se produjo el éxito internacional a través de Estados Unidos, Europa e incluso Brasil y Japón donde llegaron a tocar en festivales. Para Pitchfork y No Ripcord, Funeral fue el mejor disco del año 2004. Mientras que MTV2 lo seleccionó como mejor disco del año 2005 y el New Musical Express lo seleccionó entre los mejores del mismo año, eligiendo "Rebellion (Lies)" como la mejor canción. En noviembre de 2005 alcanzaron el disco de oro en Canadá y Reino Unido y unas ventas totales de medio millón de discos. Estas cifras fueron todo un éxito para un grupo sin apoyo publicitario ni de medios de comunicación. Así mismo superaron al disco In the Aeroplane Over the Sea de los norteamericanos Neutral Milk Hotel como el grupo más vendedor de la discográfica Merge Records.
Arcade Fire fueron portada de la revista Time (edición canadiense) el 4 de abril, donde eran proclamados "responsables de poner a la música canadiense en el mapa". El 1 de mayo de 2005 la banda actuó ante aproximadamente 15.000 personas en el festival de música y artes de Coachella Valley. En mayo de 2005 firmaron un acuerdo de distribución con EMI y lanzaron el single "Cold Wind" incluido en la banda sonora de la serie televisiva "Dos metros bajo tierra". El 9 de septiembre de 2005 la banda grabó en Nueva York con David Bowie (gran seguidor del grupo) una versión de "Wake Up" y de las canciones de Bowie "Life on Mars" y "Five Years". La misma visita a Nueva York les permitió aparecer en el programa de David Letterman y dar un concierto en Central Park.
El 11 de septiembre de 2005 la banda realizó su primera aparición en la televisión británica, al actuar en el programa Top of the R interpretando "Rebellion (Lies)". Además, la banda actuó también en el Canal + francés. En el Reino Unido la banda alcanzó dos números uno con "Neighborhood #3 (Power Out)" y "Wake Up" en la lista del New Musical Express. La canción "Wake Up" fue utilizada por el grupo irlandés U2 para abrir sus conciertos del Vertigo Tour y Arcade Fire actuaron como teloneros en tres conciertos de la gira, interpretando en el tercero de ellos un versión de la canción de Joy Division, "Love Will Tear Us Apart" junto a los irlandeses. Además, la canción "wake up" se usa como trailer en la pelicula de Warner "Where the wild things are", lo cual le da aún más popularidad a la banda.
"Funeral" fue candidato a un premio Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Rock Alternativo y la canción "Cold Wind" fue nominada como Mejor canción para televisión o película. Así mismo, recibieron tres nominaciones a los Brit Awards (Mejor grupo Internacional, Mejor Álbum internacional y Mejor debut internacional). En abril de 2006 se alzaron con el premio Juno a los mejores compositores del año.
NEON BIBLE
El 26 de junio de 2006, Win Butler anunció que la banda había progresado en el trabajo de composición del nuevo álbum y que contaba con quince canciones para grabar, usando una amplia variedad de nuevos instrumentos. Algunas de estas grabaciones se hicieron en la sala de estar de la casa de Win y Regine.
Posteriormente, el 14 de julio de 2006, Win anunciaba en su diario digital que el nuevo álbum sería producido por el grupo, diciendo que “Después de intentar decidir si debíamos trabajar con algún productor nos dimos cuenta que ya sabíamos como queríamos que las cosas sonaran, así que debíamos correr detrás de ese sonido lo más pronto que pudiéramos y no confiar en alguien más para guiar el buen barco de Arcade Fire.” También indicó que la banda iba a trabajar con los ingenieros Scott Colburn y Marcus Dravs.
Concierto de la banda en 2007.La gira para el año 2007 fue anunciada en diciembre de 2006. Los primeros conciertos tendrían lugar en Londres (del 29 de enero al 2 de febrero), tres en St Johns Smith Square y dos en Porchester Hall. Es reseñable que ambas localizaciones están más relacionadas con la música clásica que con el rock. Así mismo darían cinco conciertos en su ciudad natal Montreal. El álbum fue lanzado el 5 de marzo de 2007 (6 de marzo en Norteamérica), el primer single en Norteamérica fue "Black Mirror", mientras que en el Reino Unido se lanzó "Keep the Car Running".
El 24 de febrero actuaron en el Saturday Night Live interpretando "Intervention" y "Keep the Car Running".
Neon Bible fue grabado en el interior de una iglesia de Montreal, lo cual le da al disco un sonido mucho más acústico y espectral.
THE SUBURBS
El contenido del album está inspirado por los miembros de la banda Win y Will Butler y su infancia y juventud en un suburbio de Houston.[cita requerida]
El disco fue grabado en la residencia de Win Butler y Regine Chassagne en Montreal, con algunas partes grabadas en el estudio de la banda y otras en un estudio en Nueva York. El sonido del disco es diferente al de sus dos discos anteriores, con un sonido mucho mas eléctrico y evolucionado.[cita requerida]
El 5 de agosto de 2010 la banda transmitió en directo a través de YouTube su concierto en el Madison Square Garden de Nueva York, que contó con la dirección de Terry Gilliam.
En tan solo una semana luego de ponerse a la venta, el album alcanzo el puesto #1 en ventas en los Estados Unidos y en el Reino Unido. Esto sumado a sus actuaciones como banda principal en festivales como Osheaga y Lollapalooza en Norteamérica y Reading, Leeds y Rock en Seine en Europa, la banda finalmente se consolida como una de las más importantes en la actualidad.
Discografía
Álbumes
Funeral (2004)
Neon Bible (2007)
The Suburbs (2010)
EP
Arcade Fire (2003/2005): Lanzado inicialmente por el grupo en el 2003 y posteriormente por Merge Records en el 2005.
Singles
"Neighborhood #1 (Tunnels)" (Merge) (20 de junio de 2004) Limitado
"Neighborhood #2 (Laika)" (Rough Trade) (28 de marzo de 2005) #30 UK
"Neighborhood #3 (Power Out)" (Rough Trade) (23 de mayo de 2005) #26 UK
"Cold Wind" / "Brazil" (Rough Trade) (1 de agosto de 2005) [Limited] #52 UK
"Rebellion (Lies)" (Rough Trade) (5 de septiembre de 2005)) #19 UK
"Wake Up" (Rough Trade) (14 de noviembre de 2005) #29 UK
"Intervention" (Merge) (28 de diciembre de 2006) Descarga benéfica
"Keep the Car Running" (Rough Trade) (19 de marzo de 2007) #68 UK
jueves, 7 de octubre de 2010
THE LAST DANCE
QUIENES SOMOS ?
THE LAST DANCE son un grupo de rock alternativo moderno del Condado de Orange de California. La música es una contundente mezcla de guitarra básica, bajo y batería de rock 'n' roll, con 80 de onda de nuevo estilo, post-punk, darkwave, y la electrónica.
El guitarrista Rick Joyce, el vocalista Jeff Diehm, y el bajista Peter J. Gorritz se basan en muchos años de trabajar juntos en el escenario y estudio combinado con una gran cantidad de variados estilos e influencias musicales entre ellos para forjar un sonido que es sólido y coherente y lo suficientemente flexible evolucionando constantemente.
Años de triunfos y la amistad compartida y las tragedias también han ayudado a los 3 miembros principio de mantener la banda mas fuerte en situaciones en las que muchos se han rendido. Los rigores y peligros de la vida en el camino, el desafío constante de ser una banda de rock independiente en un mundo de mayor competencia multinacional, Pop Divas y American Idol, incluso la muerte trágica del baterista Iván Domínguez no han sido capaces de frenar el impulso y deseo de triunfar.
The Last Dance han lanzado seis álbumes de larga duración, además de varios EPs y versiones de edición limitada. También han sido los artistas que figuran en innumerables recopilaciones lanzado en todo el mundo, incluyendo revistas internacionales y exclusivas candente. Han actuado grandiosamente en directo en escenarios de todos los tamaños en los clubes, salas y festivales de interior y exterior del Norte y América Latina y Europa y se prevé que estará llegando a Asia y Australia en un futuro próximo.
The Last Dance también no es ajeno al mundo del entretenimiento visual. Han tenido su música en MTV "Made", en las noticias de ABC, y se han presentado y realizado en el reality show de Fox "The Search For The Elvira next ". Tienen un video para su single "ONCE BEATIFUL", cortesía del aclamado director de arena Collora, y son el tema de la reciente documental del director de roca Costanzo DVD de "Casi Hermoso", filmado durante la grabación y posterior gira por EE.UU. para "ONCE BEATIFUL" álbum .
With a history like this and no signs of slowing down, it's no wonder that The Last Dance have a loyal and devoted following worldwide and are picking up new fans every day. Con una historia como esta y no hay signos de desaceleración, no es de extrañar que The Last Dance tienen nuevos fans leales y devotos seguidores en todo el mundo y están recogiendo todos los días. Pero la mejor manera de conocer a The Last Dance no es mediante la lectura de una biografía. Escuchar la música. Vea el video. Ver un espectáculo.
THE LAST DANCE son un grupo de rock alternativo moderno del Condado de Orange de California. La música es una contundente mezcla de guitarra básica, bajo y batería de rock 'n' roll, con 80 de onda de nuevo estilo, post-punk, darkwave, y la electrónica.
El guitarrista Rick Joyce, el vocalista Jeff Diehm, y el bajista Peter J. Gorritz se basan en muchos años de trabajar juntos en el escenario y estudio combinado con una gran cantidad de variados estilos e influencias musicales entre ellos para forjar un sonido que es sólido y coherente y lo suficientemente flexible evolucionando constantemente.
Años de triunfos y la amistad compartida y las tragedias también han ayudado a los 3 miembros principio de mantener la banda mas fuerte en situaciones en las que muchos se han rendido. Los rigores y peligros de la vida en el camino, el desafío constante de ser una banda de rock independiente en un mundo de mayor competencia multinacional, Pop Divas y American Idol, incluso la muerte trágica del baterista Iván Domínguez no han sido capaces de frenar el impulso y deseo de triunfar.
The Last Dance han lanzado seis álbumes de larga duración, además de varios EPs y versiones de edición limitada. También han sido los artistas que figuran en innumerables recopilaciones lanzado en todo el mundo, incluyendo revistas internacionales y exclusivas candente. Han actuado grandiosamente en directo en escenarios de todos los tamaños en los clubes, salas y festivales de interior y exterior del Norte y América Latina y Europa y se prevé que estará llegando a Asia y Australia en un futuro próximo.
The Last Dance también no es ajeno al mundo del entretenimiento visual. Han tenido su música en MTV "Made", en las noticias de ABC, y se han presentado y realizado en el reality show de Fox "The Search For The Elvira next ". Tienen un video para su single "ONCE BEATIFUL", cortesía del aclamado director de arena Collora, y son el tema de la reciente documental del director de roca Costanzo DVD de "Casi Hermoso", filmado durante la grabación y posterior gira por EE.UU. para "ONCE BEATIFUL" álbum .
With a history like this and no signs of slowing down, it's no wonder that The Last Dance have a loyal and devoted following worldwide and are picking up new fans every day. Con una historia como esta y no hay signos de desaceleración, no es de extrañar que The Last Dance tienen nuevos fans leales y devotos seguidores en todo el mundo y están recogiendo todos los días. Pero la mejor manera de conocer a The Last Dance no es mediante la lectura de una biografía. Escuchar la música. Vea el video. Ver un espectáculo.
IN MITRA MEDUSA INRI
Excepcional electrodark con pinceladas gothic rock. Ritmos pausados, voces que encajan perfectas dentro del sonido, silencios que también cantan. Adornos electrónicos, guitarras que aportan melodías, trabajo sobresaliente del bajo. Canciones perfectamente concebidas, con principio, clímax y final.
In Mitra Medusa Inri (IMMI), tres términos llenos de significado. Mitra, originariamente, y con la forma de cabeza de pescado, fue el sombrero del dios Dagon. El grupo simboliza con este término la unión de sus dos cabezas bajo un mismo sombrero divino. Medusa, la diosa de la mitolgía griega cuya mirada petrifica a quien la ve. Bajo este término el grupo expresa esa intención (que desde luego consigue con este álbum). INRI, las siglas de Jesucristo crucificado, y... ¿qué quiere simbolizar el grupo con este término?...
Desde 1992, año en que se formó el grupo, In Mitra Medusa Inri ha ido teniendo una serie de altibajos a lo largo de todo ese tiempo, encuentros y desencuentros, en concreto con el cantante inicial del grupo, Volker. Han pasado por varios sellos discográficos, por el primero, Spirit Records, de la mano de Mozart, de Umbra et Imago, después INFECT Records y, finalmente, Apollyon, sello con el que han editado sus cuatro últimos trabajos, "Dreams", en septiembre de 2002, "Darkness Between Us", en noviembre de 2003, "Without a View of Things", de abril de 2005, y el que ahora nos ocupa, "Kalte Farben", de abril de 2007.
"Kalte Farben" está compuesto por diez temas, a cuál más expresivo, en el sentido de que transmiten sensaciones o estados de ánimo, uno los siente y uno queda petrificado, y concluye con un bonus track, 'Sag Mir Wo Die Blumen Sind', que, siendo fiel a la verdad, pone los vellos de punta... La canción suena como un himno de derrota, de angustia y resignación, como hablando de las miserias de la guerra (yo no entiendo ni una palabra de alemán, pero esto es, sin duda, lo que la canción expresa). Es impresionante la voz; impresionante y fundamental, ya que si uno se imagina esta canción sin voz pues sería una melodía como otras tantas, sin más. Y la voz es la que da toda esa carga dramática, enorme... Voz recortada y penetrante, que se desajusta de la melodía, que se desafina en ocasiones... Concluye el álbum con este tema bonus track absolutamente desgarrador.
Pero su comienzo también es soberbio, con el temazo 'Nimm Die Lügen Von Mir', de lentos compases al inicio, con un sonido de piano y expléndida voz, pero que va “in crescendo”, cada vez con más sonido y marcando más el ritmo. Es fenomenal el encaje perfecto y milimetrado de la voz dentro del sonido, lo es así en todos los temas (excepto en el último que, como ya dije, es algo especial). La voz es firme, cálida, profunda y penetrante. 'Why Can´t You Sing At Daylight' sigue en esa línea, con presencia de guitarra y bajo. Sigue 'Keine Fragen' con un ritmo más de pista de baile, más marcado, y de letra también más rápida. El cuarto corte, 'Come On', vuelve al ritmo pausado y a la letra también pausada, se canta despacio. Pero esa lentitud lo que hace es aumentar la intensidad de la canción, sobre todo en los estribillos. El siguiente tema, 'Nur Für Die Eine Minute', sigue en esa misma línea, con un sonido suave de sutil guitarra y bajo en las estrofas, e inmerso de intensa electrónica en los estribillos. Uno siente que con suavidad y tacto la canción penetra profundamente y con fuerza. Cada canción con su sonido te va penetrando en el cuerpo, en la mente, por la piel hasta el subconsciente, sobre todo con el siguiente corte, 'One Last Time', con importantes cambios en la intensidad, en los sonidos y en el tempo. Ritmos y compases de gothic rock, más acelerados que hasta ahora, en 'Komm Ins Lischt'. 'How Come I Can Tell You', explosión electrónica que sucede tras las calmadas estrofas, este tema está lleno de repentinos contrastes. Fuerza y firmeza para el comienzo de 'An Ocean Call You', en donde la guitarra toma protagonismo con intensidad, con aires gothic rock, que más adelante contrasta con la soledad de un piano. Me gusta mucho este tema, la melodía interna me recuerda bastante a una de mis canciones preferidas, 'Heat Of The Night', de Marc Almond, pero también me levanta más recuerdos, sin embargo no puedo precisar qué... tal vez en una parte más silenciosa de la canción en donde sólo queda el sonido del piano. 'Say Goodbye' es el último corte (antes del bonus track), de transcurso lento y de un sonido decadente que envuelve el espacio.
En resumen, lo más destacable de este trabajo es que la calidad del sonido iguala a la de la voz. Sonido envolvente y voz honda y firme se unen para mostrarnos esos colores fríos, "Kalte Farben", con que In Mitra Medusa Inri nos quiere dejar petrificados.
In Mitra Medusa Inri (IMMI), tres términos llenos de significado. Mitra, originariamente, y con la forma de cabeza de pescado, fue el sombrero del dios Dagon. El grupo simboliza con este término la unión de sus dos cabezas bajo un mismo sombrero divino. Medusa, la diosa de la mitolgía griega cuya mirada petrifica a quien la ve. Bajo este término el grupo expresa esa intención (que desde luego consigue con este álbum). INRI, las siglas de Jesucristo crucificado, y... ¿qué quiere simbolizar el grupo con este término?...
Desde 1992, año en que se formó el grupo, In Mitra Medusa Inri ha ido teniendo una serie de altibajos a lo largo de todo ese tiempo, encuentros y desencuentros, en concreto con el cantante inicial del grupo, Volker. Han pasado por varios sellos discográficos, por el primero, Spirit Records, de la mano de Mozart, de Umbra et Imago, después INFECT Records y, finalmente, Apollyon, sello con el que han editado sus cuatro últimos trabajos, "Dreams", en septiembre de 2002, "Darkness Between Us", en noviembre de 2003, "Without a View of Things", de abril de 2005, y el que ahora nos ocupa, "Kalte Farben", de abril de 2007.
"Kalte Farben" está compuesto por diez temas, a cuál más expresivo, en el sentido de que transmiten sensaciones o estados de ánimo, uno los siente y uno queda petrificado, y concluye con un bonus track, 'Sag Mir Wo Die Blumen Sind', que, siendo fiel a la verdad, pone los vellos de punta... La canción suena como un himno de derrota, de angustia y resignación, como hablando de las miserias de la guerra (yo no entiendo ni una palabra de alemán, pero esto es, sin duda, lo que la canción expresa). Es impresionante la voz; impresionante y fundamental, ya que si uno se imagina esta canción sin voz pues sería una melodía como otras tantas, sin más. Y la voz es la que da toda esa carga dramática, enorme... Voz recortada y penetrante, que se desajusta de la melodía, que se desafina en ocasiones... Concluye el álbum con este tema bonus track absolutamente desgarrador.
Pero su comienzo también es soberbio, con el temazo 'Nimm Die Lügen Von Mir', de lentos compases al inicio, con un sonido de piano y expléndida voz, pero que va “in crescendo”, cada vez con más sonido y marcando más el ritmo. Es fenomenal el encaje perfecto y milimetrado de la voz dentro del sonido, lo es así en todos los temas (excepto en el último que, como ya dije, es algo especial). La voz es firme, cálida, profunda y penetrante. 'Why Can´t You Sing At Daylight' sigue en esa línea, con presencia de guitarra y bajo. Sigue 'Keine Fragen' con un ritmo más de pista de baile, más marcado, y de letra también más rápida. El cuarto corte, 'Come On', vuelve al ritmo pausado y a la letra también pausada, se canta despacio. Pero esa lentitud lo que hace es aumentar la intensidad de la canción, sobre todo en los estribillos. El siguiente tema, 'Nur Für Die Eine Minute', sigue en esa misma línea, con un sonido suave de sutil guitarra y bajo en las estrofas, e inmerso de intensa electrónica en los estribillos. Uno siente que con suavidad y tacto la canción penetra profundamente y con fuerza. Cada canción con su sonido te va penetrando en el cuerpo, en la mente, por la piel hasta el subconsciente, sobre todo con el siguiente corte, 'One Last Time', con importantes cambios en la intensidad, en los sonidos y en el tempo. Ritmos y compases de gothic rock, más acelerados que hasta ahora, en 'Komm Ins Lischt'. 'How Come I Can Tell You', explosión electrónica que sucede tras las calmadas estrofas, este tema está lleno de repentinos contrastes. Fuerza y firmeza para el comienzo de 'An Ocean Call You', en donde la guitarra toma protagonismo con intensidad, con aires gothic rock, que más adelante contrasta con la soledad de un piano. Me gusta mucho este tema, la melodía interna me recuerda bastante a una de mis canciones preferidas, 'Heat Of The Night', de Marc Almond, pero también me levanta más recuerdos, sin embargo no puedo precisar qué... tal vez en una parte más silenciosa de la canción en donde sólo queda el sonido del piano. 'Say Goodbye' es el último corte (antes del bonus track), de transcurso lento y de un sonido decadente que envuelve el espacio.
En resumen, lo más destacable de este trabajo es que la calidad del sonido iguala a la de la voz. Sonido envolvente y voz honda y firme se unen para mostrarnos esos colores fríos, "Kalte Farben", con que In Mitra Medusa Inri nos quiere dejar petrificados.
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